Monir
Monir Farmanfarmaian: Markt-Alchemie und die kosmische Geometrie des persischen Lichts
Abb. 1: Monir Shahroudy Farmanfarmaian, Lightning for Neda, 2009, Spiegelmosaik, Hinterglasmalerei, Gips auf Holz, Sechs Paneele: 118 x 78,7 x 9,8 Zoll (jeweils); 118 x 472 x 9,8 Zoll (gesamt), 300 x 200 x 25 cm (jeweils); 300 x 1200 x 25 cm (gesamt), Installationsansicht, Sugar Spin: You, me, art and everything, Queensland Gallery of Contemporary Art, Queensland, Australien, 2016
Nach unserer Erkundung von Shirin Neshats provokativer, lensenbasierter Kunst wenden wir uns Monir Shahroudy Farmanfarmaian (1924–2019) zu, deren Spiegelmosaike das persische Handwerk als hohe Kunst neu definierten.Im Gegensatz zu Neshats konfrontativer Politik überschritt Monirs Werk Grenzen durch das mathematische Erhabene - die Erhebung von āyeneh-kāri in eine Sprache des reinen Lichts.Skulpturen, die im Guggenheim, in der Tate Modern und im Tehran MoCA untergebracht sind, erzielen bei Auktionen Preise im Millionenbereich, ein Beweis für ihre doppelte
Meisterschaft von Tradition und Innovation. In diesem Beitrag wird untersucht, wie Monirs Markterfolg ihre künstlerische Philosophie widerspiegelt: Fragmentierung als Einheit, Erbe als Avantgarde.[1]
Von der New Yorker Avantgarde zur Wiederbelebung des persischen Handwerks
Farmanfarmaians leuchtendes Werk schlägt eine Brücke zwischen modernistischer Abstraktion und islamischen Ornamenttraditionen, aber ihr Weg zum Erfolg war unkonventionell. Während ihrer prägenden Jahre in den 1950er Jahren in New York bewegte sie sich unter abstrakten Expressionisten (Jackson Pollock, Willem de Kooning) und Pop-Pionieren (Andy Warhol), Beziehungen, die ihren Blick für kühne Formen und Materialexperimente schärften. Doch erst ihre Rückkehr in den Iran im Jahr 1957 und ein entscheidender Besuch des Shah Cheragh-Schreins in Shiraz aus dem Jahr 1975,(König des Lichts)mit seinem schwindelerregenden Spiegelinterieur kristallisierte ihr Lebenswerk heraus. Dort begegnete sie āyeneh-kāri, einem heiligen Handwerk, das historisch vom Vater an den Sohn weitergegeben wurde, und interpretierte es auf provokante Weise als säkulare, feministische Kunstform um.[2]
Ihre geschnittenen Spiegelmosaike wurden zu einem visuellen Manifest: Licht brechen und neu zusammensetzen, um die Sufi-Kosmologie widerzuspiegeln, während ihre geometrische Präzision sowohl auf die persische Architektur als auch auf das minimalistische Ethos ihrer New Yorker Kollegen anspielte. In den 2000er Jahren katapultierte diese Synthese sie von der Post-Revolution-Obskurität (sie floh 1979 aus dem Iran und kehrte erst 2004 zurück) zur internationalen Verehrung und machte sie zu einer der produktivsten Sammlerinnen ihres eigenen Erbes, selbst als sie zu seiner radikalsten Neuerfinderin wurde.[3]
Exil und der zerbrochene Spiegel: Eine kreative Unterbrechung
Der Shah Cheragh-Schrein mit seinem "vielfältigen Diamanten" (A Mirror Garden, 2007) wurde zu Monirs künstlerischem Leitstern, bis die Revolution von 1979 ihre Welt zerstörte. In ihren Memoiren erinnerte sie sich an den transformativen Moment: "Der Raum selbst schien in Flammen zu stehen, die Lampen brannten in Hunderttausenden von Reflexionen... Ich stellte mir vor, ich stünde in einem vielfältigen Diamanten und schaute auf die Sonne. Es war ein
Universum für sich, Architektur verwandelt in Performance, alles Bewegung und fließendes Licht, alle Festkörper zerbrochen und aufgelöst in Brillanz - im Raum, im Gebet. Ich war überwältigt."[4]
Im Exil in New York sah sie sich einem grausamen Paradoxon gegenüber: Die Traditionen, die ihr Genie entfachten, waren nun geografisch und materiell außer Reichweite. Ohne Zugang zu iranischen Handwerkern oder den spezialisierten Spiegeln von Isfahan schwand ihre Praxis. Schlimmer noch, ein Großteil ihrer persönlichen Sammlung, darunter antike Textilien und Hinterglasmalereien, ging inmitten des Chaos verloren oder wurde zerstört.[5]
Nach ihrer Rückkehr in den Iran im Jahr 2004 baute Monir ihr Atelier mit einer neuen Generation von Handwerkern wieder auf und revitalisierte āyeneh-kāri durch kühne, zeitgenössische Geometrien. Werke wie The Sun (2011), die aus diesem kreativen Wiederaufleben entstanden sind, sollten später Auktionshäuser entzünden und ihr Markterbe festigen. Wie sie in Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Cosmic Geometry (2011) bestätigte: "Für mich kommt die Inspiration immer aus dem Iran, aus meiner Geschichte, aus meiner Kindheit, ob zum Guten oder zum Schlechten. Ich gehe immer mit dem Gefühl meiner Augen und mit meinem Herzen und das ist meine Hauptinspiration" (Obrist et al., S. 22).[6]
Heimkehr und Vermächtnis: Eine späte Renaissance
Monir bildet eine neue Generation von Handwerkern aus, um ihre immer ehrgeizigeren Spiegelmosaike auszuführen. Diese produktive späte Periode, die bis in ihre Achtziger reichte, brachte einige ihrer gefeiertsten Werke hervor, darunter die radialen Kompositionen, die später Auktionskataloge dominieren sollten. Ihre Heimkehr wurde mit institutioneller Anerkennung gekrönt: Die Guggenheim-Retrospektive 2015, Infinite Possibility, markierte nicht nur ihre erste New Yorker Museumsausstellung sechs Jahrzehnte nach ihren abstrakten expressionistischen Tagen, sondern rahmte sie auch als Brücke zwischen iranischer Tradition und globaler Moderne neu. Zwei Jahre später feierte Teheran ihr Erbe mit der Gründung des Monir Museum - Irans erstem Museum, das einer Künstlerin gewidmet ist - und festigte damit ihren Status als nationaler Schatz.[7]
Doch wie sie The Guardian 2017 sagte, blieb ihre Kunst grundlegend in den iranischen Landschaften verwurzelt: "Meine ganze Inspiration kam aus dem Iran... Als ich die Wüsten und Berge bereiste... all das, was ich sah und fühlte, spiegelt sich jetzt in meiner Kunst wider." Diese tiefe Verbindung zum Ort erklärt, warum ihre Werke, obwohl sie vom Metropolitan Museum und der Tate Modern gesammelt werden, ihre höchsten Preise in den Märkten erzielen, die ihrer kulturellen Umlaufbahn am nächsten stehen: Dubai, London und Teheran.[8]
Abb. 2: Installationsansicht Monir Shahroudy Farmanfarmaian, Mirror-works and Drawings (2004-2016), 48 Walker St, 29. Januar - 6. März 2021
Auktionserfolge & Markterbe
Monir Farmanfarmaians Werk hat Rekorde gebrochen und sie zu einer Vorreiterin für Künstlerinnen aus dem Nahen Osten auf dem globalen Kunstmarkt gemacht. Ihre Spiegelmosaike - die persisches Erbe mit modernistischer Abstraktion verbinden - erzielen Preise im siebenstelligen Bereich, was ihren bleibenden Einfluss widerspiegelt. (Siehe Abb. 1 und 2), unten untersuchen wir ihre Top-Auktionsumsätze, Markttrends und die Geschichten hinter den Geboten.
Abb. 3: Monir Shahroudy Farmanfarmaian, Dritte Familie, 2011, Serie von 8 Skulpturen, Hinterglasmalerei, Spiegelglas und Gips, Abmessungen variabel
1. "Die Sonne" (2011) – 1.105.000 $ (inkl. Käuferprovision)
· Auktionshaus: Christie’s Dubai
· Verkaufsdatum: 18. März 2015
· Verkaufstitel: Moderne & zeitgenössische Kunst aus dem Nahen Osten (Verkauf 1227)
· Losnummer: 15
· Schätzung: 800.000–1.200.000 $
Bedeutung:
· Rekordverdächtig: Setzte den Auktionsrekord für den höchsten Preis, der zu dieser Zeit von einer lebenden Künstlerin aus dem Nahen Osten erzielt wurde (posthum übertroffen von ihrem Untitled (Hexagon) für 1,1 Mio. $ im Jahr 2022).
· Karriere-Wiederaufleben: Markierte ihren Marktaufstieg nach ihrer Rückkehr in den Iran im Jahr 2004 und der Wiederbelebung der Spiegelarbeiten.
Das Werk:
· Medium: Spiegelmosaik, Hinterglasmalerei und Gold-/Silberblatt auf Gips.
· Abmessungen: 183 cm (6 ft) im Durchmesser.
· Serie: Teil ihrer "Kosmische Geometrie"-Werke, inspiriert von:
o Sufi-Kosmologie (unendliche Reflexion als göttliche Einheit).
o Persische architektonische Motive (Sheikh Lotfollah Moschee in Isfahan).
· Visuelle Wirkung: Das Stück erzeugt einen kaleidoskopischen Effekt, der mathematische Präzision mit spiritueller Symbolik verbindet.
Marktkontext:
· Historische Auktion: Christies erste dedizierte Kunstverkauf aus dem Nahen Osten in Dubai, was auf eine regionale Marktreife hindeutet.
· Ausstellungssynergie: Fiel mit ihrer Retrospektive 2015 im Negar Museum in Teheran zusammen, die in das Guggenheim NYC (2015–2016) reiste.
· Käufer: Erworben von einem europäischen Privatsammler (gemäß Pressemitteilung von Christie’s).[9]
2. "Mirror Ball" (1977) – 662.500 £ (~874.000 $)
· Auktionshaus: Bonhams London (20. Oktober 2015)
· Seltenheit:
o Überleben vor der Revolution: Eines der wenigen intakten Werke aus ihrer frühen Karriere. Die meisten gingen nach ihrem Exil 1979 verloren/zerstört.
· Provenienz:
o Ausgestellt in den 1970er Jahren in New York; verbunden mit ihren Kooperationen mit Warhol (wie in ihren Memoiren, A Mirror Garden, dokumentiert).
· Bietergefecht:
o Konkurrierende Gebote zwischen Institutionen aus dem Nahen Osten und privaten Sammlern trieben den Preis 30 % über die Schätzung (geschätzt 400.000–600.000 £).[10]
3. "Untitled (Hexagon)"-Serie – Wichtige Verkäufe (2019–2022)
Top-Verkauf: 580.000 $ (450.000 £)
· Auktionshaus: Sotheby’s London
· Verkaufsdatum: 23. Oktober 2019
· Verkaufstitel: Moderne & zeitgenössische Kunst aus dem Nahen Osten
· Losnummer: 18
· Details:
o Sechseckiges Spiegelmosaik (120 cm Durchmesser) aus ihrer Serie von 2014.
o Provenienz: Ausgestellt in der The Third Line Gallery (Dubai, 2015).
Marktattraktivität:
· Architektonische Nachfrage: Gesammelt von Zaha Hadid Architects (bestätigt im Wallpaper Magazin, 2020).
· Tech-Sammler: Soll angeblich von einem ehemaligen Google-Manager für ein von Gehry entworfenes Haus in LA gekauft worden sein (ARTnews, 2020).
Andere bemerkenswerte Verkäufe:
· Christie’s Dubai (2020): 320.000 $ (kleineres Sechseck, 80 cm).
· Phillips Dubai (2022): 1,1 Mio. $ (posthumer Rekord für die Sech
